Le MuMa propose une nouvelle saison d'images en mouvement avec MuMaBoX, espace de diffusion ouvert à tous où se côtoient vidéo, cinéma expérimental, œuvres de pionniers ou de jeunes artistes de toutes provenances, dans une logique de décloisonnement des genres et des supports. MuMaBoX, c'est une projection mensuelle d'octobre à mai et c'est gratuit !

Mercredi 17 octobre 2012 / 18 h

Dragooned de Sandy Amerio

Face à son sentiment de déclassement et sa peur de disparaître, un homme tente, par l'incantation d'un récit héroïque parallèle, de renouer avec les forces vitales et la foi qu’il a perdues. En travaillant au coeur de l’esthétique du film d’archive, notamment dans sa relecture télévisuelle, Sandy Amerio articule la possibilité d'un vertigineux retour de l’Histoire de la Seconde Guerre mondiale dans le présent. Documentaire singulier, DRAGOONED déploie une magie hypnotique, un piège émotionnel où les rituels de la fiction colonisent la réalité.

Mercredi 21 novembre 2012 / 18 h

autrement, la Molussie de Nicolas Rey

Grand Prix Cinéma du réel 2012

Dans le cadre du Mois du film documentaire, en présence du réalisateur.

Un film en neuf chapitres présentés dans un ordre aléatoire, basés sur des fragments de « La catacombe de Molussie », roman allemand écrit entre 1932 et 1936 par Günther « Autrement ». Des prisonniers d’une geôle d’un état fasciste imaginaire, la Molussie, se transmettent des histoires à propos du dehors, comme autant de fables à portée philosophique.

Mercredi 12 décembre 2012 / 18 h

Happy birthday, Mr Mekas!

Doit-on présenter encore Jonas Mekas, légende vivante du cinéma underground ? Né en Lituanie en décembre 1922, cinéaste, critique, poète, fondateur de la Film-Makers Coop de New York, il est l'auteur de l'une des œuvres les plus révolutionnaires de l'histoire du cinéma. A l'occasion de son 90e anniversaire, hommage lui est rendu avec la projection de deux films, portraits de deux figures de l'avant-garde artistique du XXe siècle : Georges Maciunas, fondateur de Fluxus et Andy Warhol.

Mercredi 16 janvier 2013 / 18 h

Science friction

Comment l'art nous instruit de la science ? Comment, de l'infiniment petit à l'infiniment grand, au confins de l'univers, dans la profondeur des mers, la caméra révèle l'invu ? Comment la réalité tangible de notre univers se trouve distordue à travers le prisme d'un imaginaire débridé ? Des Amours de la Pieuvre de Jean Painlevé, pionnier du cinéma scientifique, au Centrifuge Brain Project, pur délire de désign numérique, quelques vrais et faux secrets de notre univers éclateront à la lumière de cette projection.

Infos pratiques

Les projections ont lieu dans L’auditorium du Musée d'art moderne André Malraux - MuMa Le Havre

2, boulevard Clemenceau / 76600 Le Havre

renseignements :  02 35 19 62 79

museemalraux@ville-lehavre.fr

www.lehavre.fr

L’entrée est Libre dans la limite des places disponibles

Mercredi 11 avril 2012 / 18 h

Fascination, mépris, ironie : le regard porté sur l’automobile varie. De la chaîne de montage à la casse, une sélection de films et vidéos sur un des symboles de la civilisation industrielle.
On a souvent célébré les amours entre le train et le cinéma, tous deux transports en commun. Avec l’automobile, véhicule du plaisir individuel, la relation est plus ambivalente. Rutilant objet du désir, elle incarne pourtant un fléau du monde moderne, synonyme d’aliénation,de pollution et de mort violente. L’automobile : un rêve pour les uns, un cauchemar pour les autres… 

Rhythm / Len Lye / 1957 / 16 mm / 1’ 09

"Bien que sa réputation fût établie par l'utilisation de peintures à même le film, Lye est digne d'autant d'intérêt pour avoir été l'un des plus grands maîtres du montage. Sa spécialité a été le «jump cut», une condensation elliptique d'une action, obtenue par l'élimination des plans intermédiaires, en sorte que la figure à l'écran semble progresser par bonds selon un cours d'actions prescrites." P. Adams Sitney.

Automation / Alexandre Alexeieff / 1961 / vidéo / 2’00

"Une voiture est construite pièce par pièce devant nos yeux comme par enchantement: dès que deux pièces entrent en contact, une soudure se produit. La voiture terminée, un homme monte dedans et la conduit. Ce film fut effectué sur une chaîne de montage grandeur nature."
Svetlana Alexeïeff-Rockwell, Christine Legoff . 

Wheeeels N° 2 / Stan Vanderbeek / 1958 / 16 mm / 5’ 00

Dédié à la ville de Détroit et sous-titré «l'Amérique sur roues». Une farce sur la vie quotidienne de la voiture. Tout est véhicule, la vie est en mouvement; le déplacement, le mouvement est le sens ; l'auto-mouvement est la manie d'aujourd'hui.

Firebird / Peter Stämpfli / 1969 / 16 mm / 4’00

"Court-métrage sur le thème de la voiture-symbole de notre époque -de la vitesse au statique- la roue, du mouvement à l'arrêt; analyse en gros plans de l'ultime modèle tout en glorifiant sa beauté. Recherche parallèle dans la peinture."
Peter Stâmpfli, in Catalogue Paris Film Coop, Paris, 1979.

Kustom Kar Kommandos / Kenneth Anger / 1965 / 16 mm / 3’30

"Pygmalion et son amante machine. Sur la musique de "Dream Lover", un jeune homme caresse par de légers coups de houpette sa voiture customisée."
Kenneth Anger, in Filmmakers' Cooperative catalogue n°6, New-York, 1975.

 
39/81 Which way to Ca? / Kurt Kren / 1983 / 16 mm / 3’ 29

Kren sur la route du Vermont à la Californie. Il a dit que ses différentes voitures étaient le fil rouge de l'histoire. Le début du film manque puisque Kren avait besoin d'argent et voulait laisser la caméra à un prêteur sur gages à San Francisco. Il a démontré que les amateurs bricolaient beaucoup plus leurs films, lui, au contraire, a pris les choses telles qu'elles étaient, sans rien couper après.

Wien 17, Schumanngasse / Hans Scheugl / 1967 / 16 mm / 3’ 00

Filmer le parcours d'une voiture du début à la fin de la rue Schumann: le début de l'exposition de la pellicule coïncide exactement avec le début du film et avec le démarrage de la voiture qui s'engage dans la rue. Au bout de la rue Schumann, la caméra a juste le temps de saisir le panneau indicateur de la rue. 

(Calcutta) Go / Hans Scheugl / 1993 / 16 mm / 9’ 00

L'œil de la caméra, placé dans une voiture, enregistre (comme l'oreille ouverte d'un micro) la ville qui défile : humains et machines hachés par les dépassements ; lambeaux de musiques et voix, moteurs et klaxons - éclats acoustiques du quotidien mêlés aux mouvements fuyants du passager motorisé.

Route to Cape Town / Wolfgang Lehmann / 2005 / vidéo / 5’15

Toutes les prises ont été faites dans les rues conduisant à la ville cependant ce n'est pas un documentaire : le temps est altéré, les prises ne sont pas linéaires. Ce sont des fragments de temps. ROUTE TO CAPE TOWN est un court poème en noir et blanc, en nuances et en ombres, quelque chose de dissimulé, avec quelque chose de sombre et triste à l'intérieur.

… a car… / Carola Dertnig / 2010 / vidéo / 8’00

C'est un scénario de tous les jours que beaucoup de gens sont sans doute connu : un passage beaucoup trop étroit, un moteur qui cale, la sous-estimation de la distance avec un autre véhicule et ses conséquences tragiques. Dans sa série intitulée True Stories, Carola Dertnig a examiné diverses situations quotidiennes et leur potentiel comique, dont la conduite automobile avec …a car…

Infinite Doors / Takeshi Murata / 2010 / vidéo / 2’04

En utilisant des séquences du jeu télévisé américain The Price is Right, Murata a monté une série de scènes de "révélation" des cadeaux remportés par les candidats, la récompense ultime étant une automobile. Les applaudissements délirants, l'hystérie de l'animateur, le décor surchargé, tout est excessif et l'émission devient une farce absurde.

Fresh kill / Gordon Matta-Clark / 1972 / 16 mm / 13’ 00

Ce film montre la destruction totale du véhicule de Gordon MATTA-CLARK, prénommé "Herman Maydag", par un bulldozer dans une décharge. Il fit partie de «98.5», une compilation de films réalisés par Ed Baynard, Susan Hall, George Schnneemar et Charles Simonds, produite par Holly Solomon et montrée à la Documenta 5 de Cassel en 1972.

Infos pratiques

Les projections ont lieu dans L’auditorium du Musée d'art moderne André Malraux - MuMa Le Havre

2, boulevard Clemenceau / 76600 Le Havre

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Mercredi 8 février 2012 / 18 h

Eric Duyckaerts (1953) est né à Liège, et travaille actuellement à Nice où il enseigne à la Villa Arson. Dans ses vidéo-conférences, l'artiste incarne, entre posture et imposture, la figure caricaturale du "maître" et déploie tout son art de la performance pour disserter avec humour et érudition sur la relation entre art et science.

Depuis Magister, en 1989, où se développait en plusieurs épisodes et dans des décors incongrus une réflexion sur les liens entre courants artistiques et savoirs traditionnels comme le droit, les mathématiques, l’histoire de techniques, l’anthropologie et la littérature, Eric Duyckaerts procède à des démonstrations aux conclusions farfelues et illogiques, étayées de références pléthoriques et de recherches apparemment minutieuses. Il s’intéresse ainsi plus à décortiquer la figure du professeur et sa symbolique du pouvoir qu’à la finalité de sa démonstration.

Magister, 1989 / Courtesy éditions Artmalta

Magister / 1989 / 43’

La main à deux pouces / 1993 / 16’
Kant / 2000 / 6’

Infos pratiques

Les projections ont lieu dans L’auditorium du Musée d'art moderne André Malraux - MuMa Le Havre

2, boulevard Clemenceau / 76600 Le Havre

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Mercredi 7 décembre 2011 à 18 h

Univers, ou partie de l’univers considéré comme un ensemble ordonné; espace interpanétaire; portion du ciel. Quand l’artiste est inspiré par le cosmos, son œuvre peut devenir le véhicule pour un voyage sensationnel… C’est alors l’occasion de changer de perspective qui s’offre au spectateur.

Observando el Cielo / Jeanne Liotta / 2007 / 19’

Sept ans d'enregistrement des espaces célestes, sept années d'images recueillies au sein du chaos cosmique et inscrites sur du 16 mm, et ce à partir de différents lieux, sur ce trépied de caméra qu'est la Terre.

Eclipse / Jeanne Liotta / 2005 / 3’20

L’évènement d’une éclipse lunaire documentée et traduite au moyen du médium sensible à la lumière qu'est la pellicule inversible Kodachrome.

Stellar / Stan Brakhage / 1993 / 2’30

Film peint à la main dont les images ont été successivement rephotographiées pour réaliser divers effets de fondus rapides et de mouvements fluides. Certains fragments de ces images sont réutilisés (permettant de faire des gros plans sur les effets de matière). La couleur dominante du film est le bleu foncé, qui apparaît dans des compositions peintes (puis remicrophotographiées) évoquant des formes galactiques dans un espace étoilé.

Solar sight / Larry Jordan / 2011 / 15’

 Je n’avais encore jamais travaillé avec la photographie en couleur comme support de base pour mes films de collage. J’ai été surpris de constater un résultat très puissant (accompagné par la musique très résonante de John Davis). Cela a été libérateur de libérer des personnages humains dans une aperception de l’espace suggéré, et d’aborder l’énigme essentielle de la sphère tournante.

Yantra / James Whitney / 1950-57 / 8’

Un «yantra» est un outil - de la grande machine cosmique à une petite roue de prière - qui favorise la méditation et les visions intérieures qui conduisent à la réalisation du «Moi» universel.
YANTRA a été réalisé en perforant des trous sur des cartes au moyen d'une aiguille ; les structures de base des trous furent filmées en utilisant une tireuse optique afin d'introduire la couleur, le clignotement, etc... Sept ans furent nécessaires à la réalisation du film.
Yantra est à la base un mythe de création, une tentative d'apporter une unité aux événements cosmiques et aux événements psychiques intérieurs, l'union entre des réalités externes et internes.

Kosmos / Thorsten Fleisch / 2004 / 5’11

Le mystère des cristaux soumis à un examen approfondi. D’où leur vient ce pouvoir magique dont parlent les mystiques au fil des siècles ? En grossissant des cristaux directement sur le film, leurs qualités mystiques brillent directement sur l’écran. Ils rayonnent en de riches textures visuelles, sans filtre mais juste à l’aide de la lumière produisant de gracieuses cassures.

Energie ! / Thorsten Fleisch / 2007 / 5’30

L'écran vidéo, l'écran télé, s'anime sous l'impulsion contrôlée d'un flux d'électrons parcourant le tube cathodique. Pour ENERGIE!, une décharge incontrôlée de 30000 volts expose du papier photographique, créant de nouveaux systèmes visuels complètement dépendants de l'organisation, de l'emplacement des électrons.

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Mercredi 5 octobre 2011 à 18 h

Parmi les artistes qui ont utilisé le cinéma comme référence, beaucoup ont emprunté à Alfred Hitchcock. Son oeuvre, de par sa maîtrise formelle et les figures obsessionnelles qui la hantent, possède une esthétique parmi les plus saisissante et  identifiable de l’histoire du cinéma.

Minuit moins dix/minuit moins cinq / Sabine Massenet / 2008 / 7’30

Lents travellings dans des couloirs déserts, plans serrés sur des poignées de porte, papiers griffonnés, contreplongées sur des escaliers… autant de figures du film noir en général et du suspense selon Alfred Hitchcock en particulier. À partir de bribes de film du maître, le montage construit une nouvelle narration qui égare le spectateur dans un méandre de lieux orphelins. 

Phœnix tapes / Matthias Müller & Christoph Girardet / 1999 / 45’

PHŒNIX TAPES a été initialement réalisé pour l'exposition Notorious - Alfred Hitchcock and Contemporary Art au Museum of Modern Art d'Oxford. Le travail de Girardet et Müller est un montage d'extraits de 40 films d'Alfred Hitchcock en six parties ; chacune est consacrée à un sujet voire un motif hitchcockien différent : les lieux, les objets, le voyage en train, la mère, les femmes. Girardet et Müller nous font découvrir Hitchcock en faisant ressortir ses objets d'attention et ses obsessions. Par exemple, son rapport sadique avec les femmes est connu, mais dans Phœnix Tapes il devient palpable. Dans Burden of Proof les deux artistes nous sensibilisent à la grande attention que Hitchcock prêtait aux objets quotidiens : il les met en scène comme s'ils étaient des êtres vivants. Ceci s'applique aussi au rôle des lieux dans les films d'Hitchcock. Girardet et Müller ont enlevé les acteurs d'un lieu, d'un paysage par exemple pour les remplacer par du noir. Nous nous rendons compte que les lieux chez Hitchcock sont porteurs d'émotions et ne sont pas seulement un simple décor où se déroule l'action.

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